O EP, o single e o LP

Olá, pessoal! Tudo bem por aí?

Então, já era hora (há muito tempo!) e estou gravando meu EP em estúdio, ainda sem nome. Tem sido muito bacana (e um parto!) preparar esse material, que vejo como um passo adiante em relação ao trabalho feito até o momento, grande parte feito em casa.

Mas afinal, o que é um EP? É o que quase ninguém pergunta, mas muita gente gostaria de saber.

EP é um conjunto de canções usadas pra mostrar o trabalho de um músico. É mais longo que um single, mas mais curto que um álbum.
Geralmente tem de 4 a 6 faixas. O meu, por exemplo, terá 6, duas das quais já foram gravadas há mais tempo.

E essa bendita sigla, o que significa? Bem, o negócio é o seguinte: o single, como o próprio nome diz, consiste de uma única música ou um único disco, com uma música de cada lado; o EP é o Extended Play, por ter mais músicas que o single; e o LP é o Long Play que na época do disco bolachão tinha geralmente dez ou doze músicas.

Nesta página, vocês podem ver uma lista com os 100 melhores Eps de todos os tempos, alguns deles, de bandas já consolidadas na época do lançamento, serviam como aperitivo antes do lançamento do álbum propriamente dito.

E quanto ao meu EP? Bom, espero que fique pronto logo!



Outras informações sobre EP, LP e indústria da música: http://www.musicindustryhowto.com/what-does-ep-stand-for-in-music-definition-more-revealed/

Luiz Gabriel Lopes

Hoje, quero falar de Luiz Gabriel Lopes. Confesso que, apesar de ter entrado em contato direto com seu trabalho há alguns meses, ainda conheço muito pouco sobre ele. Tenho apenas algumas impressões sobre sua música a apresentar.

É um ponto de vista personalíssimo e cheio de buracos, fruto do pouco que conheço e do que ignoro. Neste texto, inclusive, acabo abordando um aspecto bem específico de suas composições, em especial das letras.

Ter entrado em contato com sua música foi ter encontrado um verdadeiro manancial de ideias sonoras e uma poesia muito sensível, ao mesmo tempo em que muito direta e sem adornos desnecessários.

A primeira que ouvi foi Lembrete (LG Lopes / Gustavito / Chicó do Céu), que em minha opinião é bem representativa de um dos traços mais interessantes de algumas de suas letras.

É algo de que sinto muita falta na arte atual, mas que acho difícil definir. Tem a ver com talvez um dos mais antigos papéis da arte, que é representar a ligação do homem com o desconhecido. Não se trata, porém, do desconhecido como mistério, mas de uma jornada em direção ao auto-conhecimento e ao conhecimento do universo ao seu redor.

despertar pra uma nova travessia
deixar esvaziar
saber que a hora certa logo vem
sem pressa, deixa estar que não demora

Acho significativo o fato de alguém parecer cantar "depressa" ao invés de "sem pressa" no vídeo. É muito difícil remar contra essa maré da pressa, eficiência, velocidade máxima o máximo de tempo possível. Mas a arte ajuda!

Se concentre meu amigo
no impulso que nos faz cantar
e faz brotar a poesia sempre devagar 
e é devagar que se desfaz 
todo medo que insiste em apertar os nós mas meu amigo

reconhece-te a ti mesmo

dê valor ao caminho que te escolhe 
palavras têm poder
e os rastros que deixamos por aí
depressa vão chegar no infinito

Esse "libertar (d)o medo" também está muito presente em suas letras. A fé naquilo que vem "do alto", a vida guiada pelas estrelas, o ritmo natural, das marés, da chuva. Expressões de vida tão naturais quanto  despertar para dentro. Para isso, é necessário Desprendimento.

sono da maré
oração da chuva
deixa essa criança libertar o medo que você guardou
estrelas que levem no rumo certo
a estrada é o que vale a viagem
livre da tristeza o passo firme o peito forte aberto

ir pra dentro é despertar
desprender o brilho e receber o dia

Indo por esse caminho, a música vai além do mero exercício poético, do jogo de palavras, mas é veículo a expressar e despertar ideias e sentimentos que vou chamar aqui de maiores, na falta de um termo mais exato. E, através da simplicidade de sua forma, a letra consegue algo extremamente difícil: falar da existência humana, de sua fé, sem ser dogmático ou piegas. Consegue, de forma muito sutil, evocar os melhores sentimentos de paz e harmonia. Abaixo, um trecho de 1986.

transformando a fé numa oração pra se cantar

sim eu sei que há 

essa poeira que te faz latinoamericano e forte como eu

de sangue índio, vagabundo,

abençoado pelo rio e pelo sol:

ancestralidade de um cometa 

que passou naquele ano em que eu nasci

e me contou que éramos muitos por aí

desencontrados no universo 

e reunidos no planeta pra vibrar

O espaço de um blog é muito pequeno, por isso acabei abordando um único aspecto da música do Luiz Gabriel, mas esse está longe de ser o único e também não sei como o classificar em importância dentro de sua música. Vendo seus vídeos mais antigos, me parece que essa é uma vertente que ele tem explorado mais, talvez fruto de reflexões ou vivências recentes às quais dispense mais atenção recentemente.

Poderia gastar mais alguns capítulos falando do ritmo, da harmonia, de suas várias parcerias, do volume de suas composições, que muitas vezes se assemelham a seu diário de viagens. Poderia falr do TiãoDuá, do Graveola e de vários outros projetos. Mas recomendo a quem quiser conhecer mais, que o ouça.Tem muita coisa na Youtube e no Soundcloud.

Como acabei me focando muito em um aspecto da música do Luiz Gabriel, vou tentar corrigir meu erro deixando abaixo uma playlist que preparei que mostra seu trabalho de forma um pouco mais .abrangente

Small blue dot, pale blue dot

Em 1990, a espaçonave Voyager 1 tirou uma foto da Terra a uma distância de 6 bilhões de quilômetros. Na fotografia, o planeta é tão pequeno que aparece como um ponto que mal se pode ver.

Alguns anos depois, o astrônomo Carl Sagan alocou os seres humanos no contexto de um infinito em seu livro Pale blue dot, que foi inspirado por essa fotografia. Seu discurso de 1996 é adaptado desse livro.

Olhe novamente para aquele ponto. Esse ponto é aqui. É a nossa casa. Somos nós! Nele, todos que você ama, todos que conhece, todo mundo de quem já ouviu falar, cada ser humano que existiu, viveu sua vida até o fim ali. Toda a soma de nossa alegria e sofrimento, as milhares de confiantes religiões, ideologias e doutrinas econômicas, cada caçador e cada fugitivo, cada herói e cada covarde, todo criador e todo destruidor de civilizações, todo rei e todo servo, todo casal apaixonado, cada mãe e cada pai, criança esperançosa, inventor e descobridor, todo professor de moral e cada político corrupto, cada superstar, cada líder supremo, todo santo e todo pecador da História de nossa espécie viveu ali: num monte de poeira suspensa num raio de sol.

A Terra é um palco muito pequeno numa vasta arena cósmica. Pense nos rios de sangue derramados por tantos generais e imperadores para que, em glória e triunfo, eles pudessem se tornar os mestres momentâneos de uma fração de um ponto. Pense nas crueldades sem fim sofridas pelos habitantes de um canto desse pixel, pelos habitantes que mal se pode enxergar de algum outro ponto, o quão frequentes seus desentendimentos, o qual diligentes são para matar uns aos outros, o quão borbulhantes suas antipatias. Nossas posturas, nossa imaginada auto-importância, a ilusão de que temos uma posição privilegiada no Universo. sã desafiados por esse ponto de luz pálida. Nosso planeta é um pontinho solitário num escuro cósmico que o abarca. Em nossa obscuridade, em toda essa imensidão, não há nenhum sinal de que ajuda virá de algum lugar para nos salvar de nós mesmos.

A Terra é o único mundo que conhecemos. Não há nenhum outro lugar, pelo menos não no futuro próximo, para o qual nossas espécies poderiam migrar. Visitar, sim. Se estabelecer, ainda não. Goste ou não, para o momento, a Terra é onde nos estabelecemos. Diz-se que a astronomia é uma ciência que constrói nosso caráter e nos torna humildes. Talvez não haja melhor demonstração da tolice que é a presunção humana que a distante imagem de nosso minúsculo mundo. Para mim, ela sublinha nossa responsabilidade de lidar de forma mais gentil com o outro, preservar e amar nosso pequeno e pálido ponto, o único lar que conhecemos.

Foi inspirado nessa fotografia, nesse texto e nessa ideia de nossa pequenez no Universo, mas ao mesmo tempo de nosso amor e de nossa capacidade de sonhar e de amar, que escrevi Small blue dot.

Toquinho e Vinícius

"Quem não gostaria de ser o Vinícius?" Foi ao me pegar dizendo essa frase que pensei em escrever um pouquinho sobre uma das parcerias especiais que Vinícius travou ao longo de sua vida: a parecria com Toquinho. Falar de Vinícius de Moraes em uma única postagem num blog seria por demais incompleto, pois ele era um ser humano dotado de muitas facetas, um dos maiores poetas que a língua portuguesa já conheceu.

Tudo começou a bordo do navio Eugênio C, em junho de 1970, rumo a Buenos Aires. Toquinho fala sobre isso: "Era um tempo em que Vinicius ainda evitava viajar de avião, então fomos para a Argentina de navio. Eu sentia uma sensação estranha, não sabia direito o que é que eu ia fazer lá. De repente, estava a bordo de um navio junto com Vinicius de Moraes, um ser humano grandioso de quem até então eu conhecia quase nada, a não ser o que ele tinha escrito e cantado por aí.

Sei que na primeira noite no navio eu passei muito mal, foi um horror. Pegamos uma tempestade no Golfo de Santa Catarina, e eu no meu quarto, enjoado, com tudo a balançar por todos os lados. Até marinheiro vomitava. E Vinicius sentado a uma escrivaninha, segurando o copo para que ele não caísse, e conversando naturalmente, sem se alterar. Ficou lá ao meu lado, como um pai, ou melhor, como alguém com pretensões de se fazer amigo. Nossa relação começou assim, e logo de cara eu passei a vê-lo um pouco como irmão, porque ele não sabia ser velho, o que na realidade ele não era."

A primeira canção de autoria da dupla é Como dizia o poeta. Considero a letra dessa música, de cuja filosofia compartilho às vezes mais às vezes menos (como convém aos sentimentos verdadeiros), belíssima:

Quem já passou

Por esta vida e não viveu

Pode ser mais, mas sabe menos do que eu

Porque a vida só se dá

Pra quem se deu

Pra quem amou, pra quem chorou

Pra quem sofreu, ai

Quem nunca curtiu uma paixão

Nunca vai ter nada, não

Não há mal pior

Do que a descrença

Mesmo o amor que não compensa

É melhor que a solidão

Abre os teus braços, meu irmão, deixa cair

Pra que somar se a gente pode dividir?

Eu francamente já não quero nem saber

De quem não vai porque tem medo de sofrer

Ai de quem não rasga o coração

Esse não vai ter perdão

A partir daí, compuseram muito juntos e fizeram diversos shows, com participações de belas vozes femininas da música brasileira, como Maria Creuza e Miúcha.

Um dos motivos determinantes para o sucesso da dupla foi terem se encontrado no momento mais adequado para ambos. Vinícius já havia dado enorme contribuição à música brasileira e se encontrava em um momento de crise criativa. Para muitos, o Poetinha já havia vivido seus melhores dias. Toquinho estava ainda no início de sua carreira e tinha toda disponibilidade para o poeta. Com a identificação mútua e a busca pela simplicidade, as canções nasceram como lindas filhas de um artesanato diário.

De acordo com Toquinho, "naquela altura, eu tinha o que o Vinicius queria: uma pessoa que tivesse disponibilidade para ficar trabalhando com ele, e que tivesse uma linguagem nova. Eu era totalmente disponível e motivado a ficar do lado dele. 

E sempre procurei fazer uma música que não fosse hermética, buscando uma simplicidade que acabou se tornando especial e me caracterizando com um estilo muito próprio dentro da música popular brasileira. Meu repertório se caracteriza pela simplicidade. 

Era o que Vinicius queria. Um comportamento musical ligado com a própria vida, mais solta, livre, natural. Refletia-se tudo isso, por exemplo, nas músicas infantis que fizemos, da melhor qualidade."

Tive a felicidade de ouvir muitas dessas músicas quando era criança, no álbum "Arca de Noé". Desse álbum, reproduzo aqui A casa:

Sobre Vinícius, Toquinho diz:

"Jamais enxerguei Vinicius como um pai de postura paternal e protetora", observa Toquinho. "Mesmo porque ele não agia assim nem com os próprios filhos. A feição de pai surgia por sua grande sabedoria de vida, por saber mais do que a maioria das pessoas. Talvez o homem de maior sabedoria de vida que eu tenha conhecido. Ao mesmo tempo, quando se via diante de uma pessoa muito simples, chegava a se emocionar até os olhos se encherem de lágrimas. 

De repente, esse pretenso ar paterno que ele poderia ter em relação a mim ia por água abaixo quando ele se tornava essa criatura frágil, com toda a sabedoria de poeta. Vinicius carregava dentro dele o jovem disposto e disponível à vida; que arriscava nas coisas, despojado e solto. Na nossa relação, eu era o fio-terra, quem se preocupava aqui embaixo conduzindo as coisas. E ele, o cosmonauta, o voador, que partia mesmo! 

Mas, por mais controvertido que pareça, ele foi a pessoa que me ensinou a ser profissional, a respeitar horários, pessoas e valores. Isso reflete as contradições desse grande poeta, que se debatia entre livrar-se das amarras da vida e seguir as ordens dessa coisa ilógica que é a própria vida. Dizia que o cotidiano é a ferrugem da vida, e fazia tudo para ludibriar essa ferrugem do dia-a-dia. Mas ao mesmo tempo que odiava esse lado massacrante da vida, procurava harmonizar-se com isso tudo. Em cada gesto, em cada passo que dava, nos sentidos mais variados, buscava essa harmonia. Um homem que nunca soube viver sem poesia, e Vinicius viveu como poeta. 

Ser poeta é uma coisa. Mas viver como poeta é dilacerante, arrebenta o homem por dentro. Na rapidez do cotidiano quase sempre não cabe a poesia, e o Vinicius não conseguia viver longe dela. A poesia o acompanhava o tempo inteiro e ele se debatia com ela, sempre suscetível ao enfoque poético das pessoas e das coisas. Para ele, tudo era natural. Vinicius me passou todas essas variáveis humanas e, se aprendi, é porque já devia ter uma tendência para isso".

Uma dos momentos de que mais gosto da dupla é um show que fizeram com a cantora Maria Creuza. reproduzo aqui um momento em que tocaram Como dizia o poeta e a singela Onde anda você, linda canção de saudade. Aliás, o tema "músicas de saudade" é um tema ao qual quero dedicar uma postagem deste blog. Nesse quesito, Vinícius era também mestre:

Belíssimo momento, pra ficar na história.

Fonte: site oficial do Toquinho

Manuel Bandeira e as letras de música

Nem todo mundo sabe, mas Manuel Bandeira teve vários poemas musicados e fez letras para várias canções de compositores como Villa-Lobos, Jaime Ovalle, Radamés Gnattali e Mignone. Em Itinerário de Pasárgada o poeta faz alguns comentários sobre sua obra musical e sobre o ofício de fazer letras.

É interessante notar como a opinião dele fecha com a de letristas como Murilo Antunes e Fernando Brant que, no livro Palavras Musicais, emitem uma opinião semelhante no que diz respeito à diferença entre escrever um poema e uma letra de música. Ele diz:

"Pode suceder que depois de pronto o trabalho o compositor ensaia a música e diz: 'Ah, você tem que mudar esta rima em i, porque a nota é agudíssima e fica muito difícil emiti-la nessa vogal.' E lá se vai a igrejinha do poeta! Do poeta propriamente, não: nesse ofício costumo pôr a poesia de lado e a única coisa que procuro é achar as palavras que caiam bem no compasso e no sentimento da melodia."

Um outro comentário que Bandeira faz a respeito de música e que eu considero de valor histórico é sobre o Parabéns pra você:

"Em 1945 Villa-Lobos, tomado de nojo pela mania em que andavam (e ainda andam) os brasileiros de cantar nas festas de aniversário a cacetíssima Happy Birthday to You, resolveu compor para essa e outras ocasiões uma série de canções de sabor brasileiro, a que deu o título de Canções de Cordialidade."

E reafirma sua valorização da língua do povo, "que fala gostoso o português do Brasil":

"Nos textos para essas canções tive a preocupação de me servir tanto quanto possível das frases feitas da nossa linguagem coloquial. Sobretudo em 'Boas-Vindas': 

'Amigo, seja bem-vindo! 
A casa é sua. 
Não faça cerimônia. 
Vá pedindo, vá mandando'."

Segundo Bandeira, ele (modestamente) não sabia a que atribuir a predileção de vários compositores por sua parceria. Cita, porém, como elemento primordial a musicalidade encontrada em sua poesia. A partir de comentários do crítico Andrade Muricy, faz algumas considerações sobre a musicalidade dos versos, seus limites e sobre até que ponto as duas artes (poesia e música) estão entrelaçadas:

"Há nessas palavras do crítico uma nota preciosa: é quando ele fala na musicalidade - de música propriamente dita - inserida na musicalidade subentendida, por vezes inexpressa ou simplesmente indicada, da poesia. A isso eu já havia chegado em minhas reflexões, estudando a música a que os meus versos serviram de texto. Foi vendo "a musicalidade subentendida" dos meus poemas desentranhada em "música propriamente dita" que compreendi não haver verdadeiramente música num poema e que dizer que um verso canta é falar por imagem. [...] A 'musicalidade subentendida' poderia ser definida por outro músico noutra linha melódica. O texto será como que baixo-numerado contendo em potência numerosas melodias"

Mário de Andrade, em seu Pequena História da Música, afirma que a música, apesar de escrava da palavra, tornara-se uma escrava despótica. "Não deixa a palavra falar por si. Quer sublinhar o sentido dela por meio dos intervalos melódicos, dos ritmos, harmonias e timbres."

Para Bandeira, porém, a música nunca deixou a palavra "'falar por si', mesmo no tempo do cantochão. É que por maiores que sejam as afinidades entre duas artes, sempre as separa uma espécie de abismo. Nunca a palavra cantou por si, e só com a música pode ela cantar verdadeiramente."

Mallarmé definiu em Divagations que "as palavras iluminam-se de reflexos recíprocos como um virtual rastilho de luzes sobre pedrarias... Esse caráter aproxima-se da espontaneidade da orquestra: buscar diante de uma ruptura dos grandes ritmos literários e sua dispersão em frêmitos articulados, próximos da instrumentação, uma arte de rematar a transposiçãao para o livro da sinfonia..."

Bandeira concorda com essas afirmações mas reforça que "a autêntica melodia estará sempre ausente". Dessa forma achou a resposta que Mallarmé deu a Debussy - "Je croyais y en avoir mis dejá assez" (algo como "creio já ter colocado o suficiente"), quando este lhe comunicou haver colocado música em seu poema L'apres-midi d'un faune "descabida presunção de poeta". Bandeira diz: "Tinha posto muita, com efeito, mas só e a bastante que um poeta pode pôr nos seus poemas."

MANET, Edouard. Retrato de Stéphane Mallarmé. 1876. Óleo sobre tela. Musée d'Orsay. Paris, França.

Encerrando estes breves comentários, gostaria apenas de deixar aqui uma das ilustrações do poema L'aprés-midi d'un faune, feita por Manet, um dos pais da Arte Moderna, e o link para a música de Debussy, que é considerada um divisor de águas na história da música, uma das que deram o pontapé inicial na Música Moderna.

              http://www.youtube.com/watch?v=rQlC_7T7INA

O poema conta a história de um fauno que toca sua flauta pelos bosques e fica excitado com a passagem de ninfas e náiades, e tenta alcançá-las em vão. Então, muito cansado e fraco, cai em um sono profundo e passa a sonhar com visões que o levam a atingir os objetivos que dentro da realidade não tinha alcançado.

Jethro Tull - Aqualung

Clássico incontestável do rock 'n roll, quarto álbum da carreira da banda, lançado em 1971, foi o primeiro com o tecladista John Evan (abaixo) como membro full-time, o primeiro com o baixista

Jeffrey Hammond e último com o baterista Clive Bunker. Ian Anderson, como sempre, assumia vocais, violão, flauta e boa parte das composições e produção. Martin Barre já era, desde 1969, o guitarrista.

Aqualung foi um dos primeiros álbuns a ser gravados no estúdio Island Records, na Basing Street, em Londres. Na mesma época, nesse estúdio, o Led estava mixando seu disco IV.

A primeira faixa é a que dá nome ao álbum, a lendária Aqualung. Abrindo o "lado A" com um dos riffs mais famosos de todos os tempos, a faixa-título dá um bom prenúncio do que há por vir. Assim que você coloca esse disco pra tocar, sente que está sendo transportado pra um clima todo próprio desse álbum. Não sei quanto a vocês, mas me sinto levado a uma espécie de taberna do interior da Escócia, num tempo indefinido, um entre-lugar.

A faixa Aqualung fala sobre um mendigo e foi baseada em fotografias que a esposa de Ian Anderson fazia. Aqualung é aquele aparelho que os mergulhadores usam para respirar debaixo d'água. O nome do personagem é esse devido ao som que sua respiração pesada faria.

Depois, temos a magnífica faixa Cross-Eyed Mary (Maria Caolha), que tem um dos meuss riffs preferidos também. Além da flauta mágica do Ian Anderson mostrar a que veio. Ela fala da história de uma prostituta infantil, que ele chama de Robin Hood de Highgate.

Cheap Day Return é uma faixa curta e cantada apenas com voz e violão, mas belíssima. Auto-biográfica, Ian a compôs quando voltava de uma visita ao hospital onde estava seu pai, seriamente doente. Ela tem versos muito tocantes, doces mas cheios de uma ironia amarga:

"does the nurse treat your old man

the way she should.

She made you tea,

asked for your autograph --

what a laugh"

"a enfermeira te trata do jeito que deve, meu velho?

Ela te fez chá, pediu um autógrafo --

Que piada"

Depois, temos a ótima Mother Goose. Com um violão como sempre muito bem tocado, ela é quase toda acústica, com muito boa percussão.

Em seguida, temos outra de minhas músicas preferidas: Wond'ring Aloud.

Ela começa com o violão e o belíssimo vocal do Ian Anderson. Tem um belíssimo arranjo de cordas e piano. Os versos são simplesmente lindos.É uma grande canção de amor e nos brinda com versos muito simples, mas de uma beleza singela e tocável, numa cena de amor do dia-a-dia.

"Wond'ring aloud --

will the years treat us well.

As she floats in the kitchen,

I'm tasting the smell

of toast as the butter runs.

Then she comes, spilling crumbs on the bed

and I shake my head.

And it's only the giving

that makes you what you are."

"Pensando alto --

os anos nos tratarão bem?

Enquanto ela flutua pela cozinha

saboreio o cheiro

da torrada enquanto corre a manteiga.

Aí ela vem, deixando cair migalhas na cama

e eu balanço a cabeça.

E é só o que você dá

que te faz o que você é."

Depois, temos Up to me, que, pra mim, é a que tem mais o tal clima de taberna de que falei no início.

Em seguida, temos My God, que é um caso à parte. Ela é uma música pró-Deus, mas anti-religião, que, segundo Anderson, aprisionaria Deus numa gaiola de ouro, deixando de lado a essência divina, para se apegar às formas de seus dogmas religiosos. A maneira como é abordado o tema da canção está de acordo com uma frase escrita na parte de trás do álbum, parodiando o Gênese, em que se lê: "No início, o homem criou a Deus e fez Deus à sua imagem e semelhança". O que ele quer dizer com essa frase é que o homem criou uma ideia de Deus baseada em si mesmo, sem levar em conta a inefabilidade da divindade.

Essa canção conta com um violão sensacional no início, depois a música é cortada por um riff fortíssimo cujas duas notas iniciais considero dignas da mesma sensação que temos ao ouvir as quatro notas iniciais da Quinta Sinfonia de Beethoveen. Essa mesma semelhança, aliás, pode ser notada na faixa-título, Aqualung.

O álbum segue com o delicioso rock n' roll Hymn 43, a tocante Slipstream, temos o grande piano e guitarra de Locomotive Breath, de cuja introdução eu poderia falar horas e que vai num crescendo até ficar só o som da guitarra distorcida de Martin Barre, momento em que entra a banda num ritmo contagiante. Fechando o álbum, temos Wind Up, com sua temática pró-Deus / anti-religião. Essa música tem uma melodia belíssima e aborda o tema do ponto de vista de um garoto em idade escolar que tem seus questionamentos sobre a religião formal e tem seu próprio diálogo com Deus, que lhe diz que

"I'm not the kind you have to wind up on Sundays"

"Eu não sou do tipo em que você tem que dar corda aos domingos"

O garoto ainda manda um recado aos falsos religiosos, que estão amparados muito mais a uma questão formal e burocrática com a divindade, que, de fato, inspirados por um real sentimento religioso, dizendo que

"In your pomp and all your glory you're a poorer man than me"

"Em toda sua pompa e glória, vocês são homens mais pobres que eu".

Aqualung é um álbum obrigatório pra qualquer um que curte o bom e velho rock 'n roll dos anos 70. Ideal pra jogar xadrez, numa taberna à luz de velas.

Um solo do Gilmour

Há um tempo atrás, comecei a gravar alguns dos solos que mais gostei de aprender a tocar e gostaria de dividir alguns dos que eu fiz com os leitores do blog.

Um dos primeiros foi Time, do Pink Floyd. Depois reeditei o vídeo, com alguns outros recursos, que é a versão que estou postando aqui.

Sempre é bom lembrar que tocar um solo do Pink Floyd, pra mim, é uma coisa de outro mundo, pois sempre tive o Gilmour como um verdadeiro mestre, além de achar a banda simplesmente o máximo. Espero que todos curtam!